Archivo para la categoría Películas de los 60 al 2000

`Calles salvajes´ -Linda Blair se desmelena

linda

Son los 80. Noche de fiesta. Un grupo de chicas deshinibidas se cruzan con un grupo de chicos carne de presidio. Ellos les tocan las narices a ellas, y ellas les devuelven la jugada, robándoles el descapotable. A partir de ahí, venganza y violencia a raudales. Y Linda Blair embutida en cuero y armada hasta los dientes. ¿Dije que eran los 80?.

La verdad es que sé que esta película no pasará a los anales de la Historia del Cine. Sé que tiene un guión más bien flojete y chirría en muchos aspectos, sobre todo en la dirección de actores. ¡Pero lo que la he disfrutado!.

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`El pasajero de la lluvia´-Desearás que no llueva

En un paisaje lluvioso, un autobús deja a un extraño individuo junto al pueblo en el que vive Melancolie. Se trata de un tipo perturbado, que vigilará a la mujer esperando el momento propicio para violarla. Y hasta aquí puedo contar para no destripar la trama.

Un planteamiento no exento de interés para este extraño drama de intriga que protagoniza Charles Bronson junto a Marlène Jobert y que dirige con maestría René Clément.

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Las muertes que más me han impactado en una sala de cine – Primera entrega: Muerte del agente Murphy en “Robocop”

Aprovechando que estoy trabajando en una serie de posts que voy a dedicar al brillante realizador holandés Paul Verhoeven, la primera muerte de la que quiero hablar es sin ningún tipo de duda la del agente de policía Alex J. Murphy en la magnífica Robocop” ( 1987 ) dirigida por Verhoeven.

Aun la recuerdo con cierto desasosiego y como uno de los asesinatos más crueles y despiadados que he tenido el “placer” de ver en una sala de cine. Debo decir que no soy para nada una persona aprensiva, y que tolero con cierta facilidad la sangre y las vísceras.  Es más.  Soy y he sido un gran consumidor y coleccionista de Gore (sobre todo en mis tiempos mozos) y de cine de terror. Pero tengo que admitir que Verhoeven logró que apartara la mirada de la pantalla, y que realmente sintiera odio, angustia, tristeza e incomodidad, viendo como una banda de desalmados acababan con la vida del pobre agente Murphy.

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“El guateque” – Una espléndida comedia atemporal

El guateque (5) por ti.

Por circunstancias que no vienen al caso, ayer revisé nuevamente una de esas comedias que resisten muy bien el paso del tiempo: “El guateque” (1968) dirigida por Blake Edwards y protagonizada por el genial Peter Sellers. De todos es sabido que ambos artistas unieron sus talentos en la prolífica saga dedicada a la Pantera Rosa, siendo la película que nos ocupa la única que rodaron sin que Sellers interpretara al Inspector Clouseau.

Hrundi V. Bakshi (Peter Sellers) es un torpe actor hindú que acaba de echar a perder la costosísima última escena de la cinta que está rodando en el desierto. La casualidad hace que, por error, sea invitado a una fiesta en casa del productor de dicha película y allí Hrundi desplegará todo un muestrario de hilarantes torpezas convirtiendo ese “guateque” en un verdadero caos.

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“La carta final” (“84 Charing Cross Road”) – En algunas ocasiones la película supera al libro en el que se basa.

84 Charing Cross Road  (9) por ti.

Generalmente solemos sentirnos frustrados cuando un libro que hemos leído, y que nos ha gustado mucho, es llevado a la pantalla.

Si el volumen era de respetable extensión, nos encontramos con un guión en el que pasajes que considerábamos imprescindibles, han sido cercenados sin piedad, o simplemente modificados para el cine, e igual ocurre con personajes secundarios, que, o bien han desaparecido, o han adquirido mayor o menor relevancia que en su original de letra impresa. Si la novela en la que se basa es corta, o en un relato, lo más probable es que nos encontremos con añadidos innecesarios que desvirtúan el concepto que teníamos de la historia… La conclusión es que prácticamente nunca quedamos contentos.

Pero algunas veces es al revés. La película supera al libro. ¿Es porque lo supera? ¿O porque hemos “hecho el viaje a la inversa”? Primero la película, y después el libro.

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‘La Historia Interminable’ – Un clásico para el que no pasa el tiempo

Hoy, Noche de Reyes, las cadenas de televisión se están hartando a poner pelis para niños, y entre todas las que ponían, por qué no revisionar ‘La Historia Interminable’, una película para la que no pasa el tiempo, una película con la que aún, yo me emociono, una película cuyo libro he leído y disfrutado tanto como si fuese Bastian, nuestro protagonista. Una película, que a pesar de los años que transcurran, siempre será un hito en el cine para los más pequeños (y sus mayores).

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“El primer pecado mortal” – Un thriller muy bien contado

A los que os pasáis por “Tierra”, y tenéis la deferencia de leer algunos de mis post, os sonará esta frase: “No es lo que me cuentan, si no como me lo cuentan”. Siempre que la menciono va relacionada con el cine o con la literatura, porque por sencilla que sea una historia, sin ser esta un dechado de originalidad, e incluso cayendo en tópicos, depende de cómo me lo estén contando, puedo estar viendo una buena película, o leyendo una buena novela.

Y ese fue el balance final que pude hacer anoche después de ver “El primer pecado mortal”: Vi una buena película.

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“La tumba de Ligeia” – Poe y Corman: un buen cóctel para el cine de terror

Si algo hay que agradecerle, entre otras cosas, a Roger Corman es que a través de sus adaptaciones cinematográficas much@s han conocido la obra de Edgar Allan Poe. De la misma manera, los que ya admiraban al escritor norteamericano han recalado en el cine del primero atraídos por la estela de unos de los más geniales maestros del relato breve y, en concreto, del cuento de terror.

Roger Corman dirigió toda una serie de películas basadas en relatos de Poe que incluían “La caída de la casa Usher” (1960), “El péndulo de la muerte” (1961), “Historias de terror” (1961), “La obsesión” (1962), “El cuervo” (1963), “La máscara de la muerte roja” (1964) y “La tumba de Ligeia” (1965) a la que va dedicada la presente reseña.

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“Amadeus” – La envidia es mala consejera

Amadeus (2) por ti.

Milos Forman dirigió “Amadeus” en 1984.

Al director checoslovaco afincado en Estados Unidos, ya le avalaban suficientes créditos cuando acometió la empresa de llevar a la pantalla una particular versión de la vida y muerte del genial compositor Wolfgang Amadeus Mozart, basada en la obra teatral escrita por el dramaturgo británico Peter Shaffer, el año 1979. En 1975 había conseguido el Oscar a la mejor dirección por “Alguien voló sobre el nido del cuco”, y en 1981 el Globo de Oro por “Ragtime”.

Estos avales hacían que en los 80´s el buen aficionado al cine estuviera pendiente de sus trabajos, y que se recibiera este “Amadeus”, con gran expectación.

Forman no decepcionó. Ascendiendo un escalón más, ofreció una grandiosa película, en la que no tan sólo la fastuosidad de su presentación enganchaba al público, sino también su trama argumental, perfectamente desarrollada, en la que nos introducía en los vericuetos del alma humana a través del personaje narrador, Antonio Salieri, compositor contemporáneo de Mozart.

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El pico de las viudas – Ágil y atractiva comedia

El cine inglés que nos llega, tiene casi siempre la cualidad de dejarnos un buen sabor de boca, e igual da que la película que hayamos visto sea de época, o ambientada en nuestros días.

“El pico de las viudas” (“Widow´Peak”), se puede asociar al primer grupo, y es una comedia que combina un excelente guión, con una buena dirección y unas interpretaciones de gran altura.

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Cuando el viento sopla (1986) – Realismo animado

Hace unos meses (hay que ver como pasa el tiempo), comencé una serie de reseñas a las que di el título de “Mis películas más tristes”, y que en principio iba a estar compuesta de seis. Se quedó en tres, y no porque no tuviera claro cuales son esas películas. Simplemente, (y que nadie me pregunte por qué, pues no sabría que contestarle), no la continué.

No estaba entre ellas “Cuando el viento sopla” (When the wind blows), y ahora me sorprende no haberla incluido cuando confeccioné la pequeña lista. La justificación la he buscado en que cuando se ha visto ya mucho cine, y de géneros tan diferentes, aunque se guarden las sensaciones que se ha experimentado con cada película, es difícil a la hora de hacer una selección que te acudan todas a la memoria. Y creo que eso ocurrió con esta.

Después de varios años, he vuelto a verla esta tarde, y ha sido la tercera vez que me he metido en la piel de los entrañables ancianos que la protagonizan.

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Jesucristo Superstar (1973) – … Y la vida de Cristo se hizo música

 

Con motivo de la pasada Semana Santa tuve la oportunidad de volver a ver “Jesucristo Superstar” por obra y gracia de un canal de pago y no he podido resistirme a la tentación (nunca mejor dicho) de hablar sobre ella.

En 1971 Tim Rice (autor del libreto) y Andrew Lloyd Weber (responsable de la música) presentaron en Broadway una ópera rock a la que titularon Jesus Christ Superstar y que, obviamente, tenía como protagonista a Jesucristo. Lo que en un primer momento había nacido como un disco en el que Ian Gillian (líder de los Deep Purple) interpretaba a Jesús, se convirtió en un musical de éxito (recordemos la versión española a cargo del ahora incalificable Camilo Sesto y Ángela Carrasco) y, en 1973, saltó a la gran pantalla de la mano de Norman Jewison que, un par de años antes, había rodado la conocidísima “El violinista en el tejado”.

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La Vida de Brian (1979)- Atemporales Monty Python

He perdido la cuenta, pero puede que la haya visto una docena de veces (la semana pasada fue de momento la última), y cada vez me vuelvo a sumergir como si fuera la primera, en el mundo de Brian, ese mundo delirante que crearon hace casi treinta años, los Monty Python.

Desde los primeros minutos, con la presentación de un pesebre, en el que una masculina madre, de ademanes bruscos y voz áspera, recibe con sorpresa a tres Reyes de Oriente, que le hablan de que su hijo es el Mesías, ya entras en situación, percibiendo que vas a disfrutar de una sátira mordaz e ingeniosa.

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En Busca del Fuego (1981)- Convincente prehistoria

A tenor de haber colgado la reseña de “10.000 B.C”, se me ha hecho casi necesario confeccionar uno sobre ese título que encabeza el post.

El francés Jean-Jacques Annaud, hizo para el cine en 1981, una adaptación libre de la novela “La Batalla del Fuego, que JH Rosny Aisné, escribió en 1911.

Situada su acción en el Paleolítico de hace alrededor de 80.000 años, nos cuenta las vicisitudes de un clan de Neandertales, que durante el ataque de un clan rival, pierden el fuego que tan celosamente protegen, y que es de importancia primordial para su supervivencia.

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VIDA PRIVADA, de Louis Malle – 1962 (Un tema de actualidad)

 

 

Hace un par de semanas vi en uno de los canales digitales, una película que me era totalmente desconocida. “Vida privada”.

Es lo que ocurre con films que ya tienen unos años. Que si no pudiste verlos en su momento, se van perdiendo en la noche de los tiempos.

No voy a dedicarle el post por que sea una película “imprescindible”, si no por reivindicar el que de vez en cuando echemos un vistazo a las películas que directores notables rodaron en sus principios, para comprender su evolución posterior, y que al mismo tiempo, por haber desaparecido también ellos, no los echemos en el olvido.

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¿Alguien quiere ver la primera versión de “Soy Leyenda” con Vincent Price?

Muy recientemente se ha podido ver en el cine la tercera adaptación de la novela de Richard Matheson, “Soy Leyenda”. Equivocadamente he visto en más de un sitio referirse a la película de Will Smith como un remake de la protagonizada por Charlton Heston hace ya un par de décadas, titulada “El Último Hombre Vivo”. Cuando realmente no lo es. Como he dicho al principio, es una adaptación. De tal forma se pudo decir o se podría decir ahora que la de Heston también era un remake de la protagonizada -y no conocida por todos- por Vincent Price en 1965, “The Last Man on Earth” (El Último Hombre de la Tierra). Al final el título más fiel ha sido el estrenado este año. Pero las diferencias entre todas las películas son notables.

Lo bueno es que gracias a páginas como “Youtube” se puede disfrutar de este clásido en blanco y negro. Eso si, en nueve archivos de video y en inglés. Sin subtítulos en castellano. Así que quien sepa el idioma de Shakespeare lo va a llevar bien, el resto… a ver e imaginarnos los diálogos.

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EL VAMPIRISMO EN EL CINE -Otras películas de Vampiros-

 

Había que echarle el telón a esta serie de posts titulada “EL VAMPIRISMO EN EL CINE” (aunque como ya habéis visto, ha tratado exclusivamente sobre versiones de el Drácula de Stoker), haciendo un breve repaso a los títulos que merecen por méritos propios, figurar en una lista de filmes representativos del género.

No voy a remontarme a los principios del cine, aunque se hicieron películas sobre vampiros en cine mudo antes de la del Nosferatu de Murnau, pero no las he visto, y muy poco sé de ellas. Así que me ciño a las “ultimas”, o sea, a las que se han producido en las cinco décadas anteriores a nuestro presente, y que sí he visto.

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El Vampirismo en el Cine – DRÁCULA, DE FRANCIS FORD COPPOLA-

DRÁCULA, DE BRAM STOKER -1992

En 1992, y esta vez a tan solo trece años de distancia de la última película de las que más se han ceñido en el cine a la figura del vampiro de Stoker (Drácula, de Badham), Francis Ford Coppola, ofreció otra nueva versión del personaje.

Coppola, director, productor, y guionista de multitud de títulos, ya había dejado para la historia películas emblemáticas dirigidas por el, como “Apocalipsis now”,  “La ley de la calle”, y su trilogía de “El padrino”.

Aunque como director no tenía que demostrar nada, si que el nuevo proyecto significaba un riesgo para su productora American Zootrope, que se encontraba al borde de la quiebra en aquel momento, y un fracaso de taquilla, la hubiera llevado a la bancarrota total.

Como todos sabemos ya, ese riesgo tuvo su recompensa.  Drácula fue uno de los grandes éxitos cinematográficos de los años 90, y generó grandes beneficios.

Lo que también generó su esperado estreno, fueron grandes controversias, tanto entre la crítica, como entre los espectadores. Desde ser considerada una obra maestra por unos, a ser tachada de artificiosa por otros.  

Su título, y el arranque de la historia, fueron y son objeto de polémica.

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El Vampirismo en el Cine -Drácula de John Badham

DRÁCULA -1979

Otra vez se tuvo que esperar más de dos décadas para que se ofreciera en la gran pantalla un producto renovador sobre la figura del vampiro creado por Stoker.

Durante aquellos veinte años, se habían rodado varios films en los que el protagonista era el personaje de DráculaLa Productora Británica Hammer, sobre todo, se encargó de ello, y  durante más de 15 años, aprovechando el tirón de su producción del 58,  fue ofreciendo al espectador secuelas (hasta siete, si no me equivoco), mas o menos afortunadas.

Títulos como, “Las novias de Drácula”,  “Drácula, príncipe de las tinieblas” “Drácula vuelve de la tumba” y “El poder de la sangre de Drácula”, son algunos de los que  fueron ofreciendo.

Conforme la saga avanzaba, la calidad disminuía.  También el respeto y el interés de los espectadores hacia el Conde, fueron decayendo.

A Drácula, a base de matarlo y resucitarlo una y otra vez, lo convirtieron en una sombra de si mismo, llegando a un punto, en que sus películas solo interesaban por la forma en la que lo resucitarían, o en como sería exterminado.  Eso desgraciadamente, ocurre demasiadas veces en el cine, y las secuelas han acabado por cargarse un  personaje del que guardaríamos un buen recuerdo, si sólo se hubiera rodado de el una película.

Pero… Drácula no muere.

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El Vampirismo en el Cine – Nosferatu, de Werner Herzog

NOSFERATU, VAMPIRO DE LA NOCHE -1978

Más de medio siglo después de que Murnau rodara su Nosferatu, otro alemán, Werner Herzog, decidió homenajear a su compatriota, haciendo un remake sobre el, por aquellas fechas, ya mítico film.

Había rodado en 1968 su primera película (“Signos de vida”), y contaba con otras seis más (entre ellas, “Aguirre, la cólera de Dios”, y “El enigma de Gaspar Hauser”), cuando emprendió el proyecto.

Herzog, desde sus principios, había sido tomado en cuenta por los espectadores y la crítica, al ofrecer un cine interesante, y que al mismo tiempo se prestaba a la controversia

Sus películas realistas, algunas casi documentales, retratando personajes obsesivos y marginados (casi siempre al límite), eran estudiadas con minuciosidad conforme se estrenaban.

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